Cabeza despierta!

  Prácticamente el único recuerdo que tengo de la primaria dentro de una clases de música, fue cuando a los 9 años una profesora nos explicó que la característica principal de la cumbia argentina, era promover las drogas y el sexo.  Realmente no sabía diferenciar que era la cumbia de otros géneros en ese momento, porque más allá de que en mi casa no se consumiera mucha música nacional, recién al empezar a salir a los asaltos, y luego a las matinées años después, empecé a escuchar y sumergirme en el mundo de la música tropical.

  A mediados del siglo pasado, se empiezan a escuchar en nuestro país varios estilos de música tropical, especialmente la cumbia, ritmo autóctono del Caribe Colombiano. Con la migración de gente de todo el país hacia la Capital Federal y el Gran Buenos Aires, se empezó a poner de moda con la creación de grupos argentinos que fusionaron estos ritmos con por ejemplo el tango y chamamé. Posteriormente una fuerte inmigración de Perú y Bolivia hizo un asentamiento cada vez más profundo de este mutado estilo de música en la identidad de los argentinos.

   Durante la década de los 80 empezaron a abrir las primeras bailantas, lugares específicos para bailar cumbia en el Gran Buenos Aires, y a su vez la difusión del género fue ganando terreno cada vez más en la radio y televisión.

   En los 90 el género fue cada vez adquiriendo más relevancia en los medios de comunicación, y tal vez haya sido la década donde se marcaron los granes clásicos de la cumbia argentina con artistas como Gilda, Gladys La bomba tucumana, el Grupo Sombras, entre otros.

  La transición del cambio de milenio, a mi entender hizo que esta derivación de cumbia colombiana llegara a su techo, y deje de ser una cumbia armónica, romántica, y con las influencias de la cumbia santafesina, norteña y hasta del flamenco, a desembocar en lo que luego se transformaría en cumbia villera, una cumbia en la que el insulto, la denigración de la mujer y el concepto que si no te drogas, sos un careta, rellenan sus letras. La cumbia de la que mi profesora me hablaba de chico. Una nueva identificación de la gente tanto en su manera de vestir, en su manera de hablar y hasta de entender la vida.

  Esta nueva ola cambió el sentido estético en la vestimenta de los jóvenes en las calles, y se puso en extinción a los provenientes del rock de los 80, con sus camperas de jean y flequillos rollingas y una filosofía de vagos que solo les interesaba la música, el disfrutar del momento de la manera más
reventada posible. Estos fueron reemplazados por sujetos que empezaban a tener cabezas rapadas de forma irregular, la implementación de la indumentaria deportiva aunque no hagan deporte, zapatillas muy caras que representaban su estatus o lo poderosos que se volvían por que las podían robar, acompañado con pantalones dentro de las medias, sin olvidar las viceras y anteojos de sol para disimular sus hojos estupefacidos, son otros de sus rasgos característicos.

  Se empezó a tener un orgullo cada vez más grande por esta identificación de hablar con los dialectos de la cárcel, escuchar cumbia, ser “gil” si no robas o no te drogas, ser “cheto” si no respetar estos patrones. Esto ha aumentado mucho el resentimiento social, ya que este estrato no entiende como otra gente de clase trabajadora o de familias de mayores recursos, tienen cosas que ellos no, por lo tanto quitarle su pertenencias, insultarlos y hasta herirlos son una conducta más que aceptada y una moneda corriente, y parece más fácil que trabajar para obtenerlas.

  Lo que más pena me da por la sociedad argentina no es la cultura de vagos implantada, que acompañados con gobiernos populistas que aparte de manejar a esta masa adormecida que va de la mano con el circuito del narcotráfico, sino es que la mujer canta, disfruta y promueve la denigración de ellas mismas, y la exposición explicita como un objeto sexual que tiene como objetivo fundamental, satisfacer ciegamente al hombre.

  Lamentablemente este género solo se quedo en esos tópicos para sus canciones, y no pudieron pasar a la profundidad del rap o hip-hop, que tratan temas políticos, de desigualdad, injusticias y críticos con respecto a la sociedad, y no hacen de su género un virus que invade a todos los estratos sociales y bajan cada vez más nuestra capacidad de cultivarnos, aprender, preguntarnos porqué y enseñar buenos hábitos.

Arte callejero.

     Cerámico instalado de forma oculta en la Gran Vía, una de las arterias principales de Barcelona.

      El arte callejero o “street art” es una categoría de arte gráfico que hace pocos años está empezando a ser reconocido en las principales metrópolis del globo. Una de las categorías más conocidas dentro de este género es el Grafiti, que en muchas ocasiones es difícil de distinguir ya que parecen dibujos coloridos sin sentido, pero son las firmas de los artistas, sus nombres artísticos dibujados y expresados de forma armoniosa.  Lo que nos queda es una brecha muy fina que determina que es realmente arte, pero siempre partimos de la base que cualquier manifestación es considerada, lo único que nos importa es el mensaje transmitido.
    Arte callejero pueden ser murales,  dibujos, figuras en 3d, pegatinas o cualquier forma de expresión artística en la vía pública. La gran mayoría del street art son piezas satíricas sobre política,cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla. Una de las principales reglas del Street art es la velocidad que el artista tiene para desarrollar su obra, ya que en la mayor parte de las ciudades, esto está visto por las autoridades como “vandalismo “.


     En muchos casos simplemente basta con una imagen, personaje de ficción o esténcil para identificar el trabajo de un artista sin firmas o nombres.
La mayor parte de los artistas reconocidos en este arte son anónimos, y quieren permanecer en el anonimato ya que su trabajo según la policía se basa en actos ilícitos.


    Esta es una escultura que encontré en Milán y representa una critica a la polución que existe en esta ciudad históricamente industrial .

   El artista callejero más conocido del genero se conoce como “ Bansky”, y se reconoce como pionero en la utilización de muchas técnicas graficas para logran muy buen resultado en muy poco tiempo.  Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980.  Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes." Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

     Esta es una representación en el barrio Gótico de Barcelona de las denominadas " Putas de Picasso" , en la calle donde el pintor español solía inspirarse en su década de estudio en la capital catalana. Dicha reproducción callejera fue hecha ,por algún artista callejero desconocido, como homenaje a Pablo Picasso en la misma calle donde existía el burdel.

Fotos y texto: Norman Clinckspoor

A veces uno le pide a quien no puede dar...

   Esta fue la primera fotografía que tomé al llegar a Berlín, en septiembre de 2014. Parado en el centro de la Isla de los Museos comencé a observar a esa niña que a unos pocos metros de su madre, se acercaba a los turistas pidiéndoles dinero. Me resultó muy fuerte, porque desde mi ignorancia, en el último lugar donde esperaría ver pobreza, era allí, en el centro de Europa, en la capital alemana, en el centro de Berlín. Segundos antes de sacar la foto me di cuenta, que las personas a las que la niña les estaba solicitando dinero, no tenían manera de darle unas monedas, porque no tenían brazos. 

   Luego de visitar algunos Museos y lugares imperdibles de la capital alemana, fui a una visita guiada gratuita al parlamento alemán. Una obra arquitectónica del norteamericano Norman Foster, en la cual se quiso representar la transparencia de la política alemana actual  y de sus gobernantes por medio de un sistema de espejos, y a su vez, con un espacio para circular y observar a los ministros en plena acción desde arriba, así como si el pueblo estuviera por encima de sus gobernantes, y no al revés, al menos eso quisieron representar. Me pareció un mensaje muy interesante para el pueblo y la importancia del poder que este tiene por medio de su sufragio. Quise entender la importancia actual de la política alemana dentro de la Unión Europea y por qué en este momento es tan determinante las decisiones de Angela Merkel, que hacen que esta nación sea la locomotora de este tren europeo. Recordé que durante todo el siglo XX, incluso antes, desde que Alemania sea un estado unificado, su posición en Europa y el mundo siempre fue completamente central y determinante. Me cuesta entender que en un lugar de tanto poder cultural y económico, haya gente que pasa hambre o vive en la calle, me bastaba con creer que por cada estado central europeo rico, habría 30 países subdesarrollados pasando hambre y ahí terminaba la ecuación.

  Pienso en los tres polos económicos que me hicieron estudiar en la escuela, Estados Unidos, la Unión Europea y Japón, y me acuerdo que China será la primera economía mundial en el 2022 y me da miedo. Recuerdo que Putin en Rusia está queriendo remontar a la idea de Unión Soviética y nuevamente pienso en el rol de Alemania en el mundo. La idea de un estado pequeño, pero súper poderoso, con mucha calidad en todo sentido, tratando de unificar Europa a la fuerza en la primera mitad del siglo XX y pagando cualquier precio para intentar conseguirlo. De hecho el Estado alemán terminó de pagar los gastos que los aliados le adjudicaron de las dos guerras mundiales en diciembre de 2010.

  Viendo la final del mundial de fútbol que Argentina disputó ante la selección teutona, días antes de llegar a Berlín, me sorprendió que los jugadores alemanes no cantaban el himno, y le pregunté a mi amiga alemana, por qué, y me respondió, que por la verguenza por lo ocurrido en el holocausto en los 40s. Si no hay chiste para hacerle a un alemán, es a cerca del nazismo. El nombrar el asunto automatiza a la gente a la seriedad y a la verguenza. La responsabilidad que esta gente asume por las ideas absolutistas y extremistas de un grupo político los dejará marcados de por vida. En el colegio desde que son muy niños se les enseña la historia con lujo de detalle por que si algo quieren, es que la historia no se vuelva a repetir. El nivel de exposición de esta faceta histórica es al extremo, " que si la historia está, es para aprender de ella" me parece el mensaje que se quiere transmitir. Estas placas se encuentran en las veredas frente a las puertas de las casas de donde habitaban judíos que fueron llevados a los campos de exterminio nazis. En las placas se pone el nombre, fecha y lugar de nacimiento, fecha de deportación y campo en el que murieron. Se encuentran en casi todas las calles de Berlín.

  Lo que más me sorprendió fue la ubicación del Memorandum del Holocausto Judío, el municipio cedió un predio para su construcción que está ubicado en una de las manzanas más centrales de la ciudad. Pensé " si los franceses hubieran hecho este desastre, y se vieran forzados a hacer un memorandum como éste, seguro lo harían en algún lugar de las afueras de París". No dejo de sacarme el sombrero ante la grandeza de este pueblo y su capacidad de adaptación y mutación. Dicen que hoy en día Berlín es la ciudad más tolerante del mundo, se puede ver en la calle, en el subte, en todos lados como cualquiera puede tener una gallina en la cabeza y nadie te va a decir nada, creo que lamentablemente se llegó a esto luego de un proceso horrible, pero a lo hecho pecho, es más

honorable que ignorar lo pasado.

  Esto que parecen "ataúdes" es el Memorandum, y en realidad el arquitecto, un norteamericano judío de Nueva York, nunca explicó ciertamente que quiso manifestar con esta obra, solo aseguró que definitivamente no eran ataúdes. Uno empieza a caminar entre las figuras que parecieran ser todas iguales, rectángulos grises, como si fueran gente sin identidad, el piso es irregular, y de repente cuando estás cerca del centro, dejas de ver salidas, cada uno tendrá su interpretación de la obra pero puedo manifestar que la sensación que te genera estar metido en medio de eso es sofocamiento, es horrible. Tal vez el arquitecto le quiso mostrar a los otros pueblos del mundo lo que sintieron ellos en esa oscura etapa de su historia.

   Berlín es una de las capitales mundiales del arte callejero, por lo tanto el cemento con el que están contruidos estos bloques tienen un material en su mezcla que es antiaderente, en el caso de que algún neo-nazi quisiera ir a hacer pintadas antisemitas, serian faciles de limpiar. Una periodista de la televisión alemana hizo una investigación, donde demostraba que la empresa que producía este material anti-aderente, era la misma empresa que fabricaba los gases para las cámaras de exterminio durante el olocausto y esto generó mucha controversia en los medios. La empresa terminó regalando este material. Aún así, el arquitecto ya se había vuelto a Nueva York, dejando la obra a medio hacer y sin intención de terminarla. Un día su peluquero de la quinta avenida de la gran manzana le dijo que no podía dejar de trabajar por cosas así, que si por eso fuera no podría subirse a un colectivo porque es marca Mercedez Benz, como los carros alemanes, que no podría volar por Lufthansa, porque era la marca que fabricaba los aviones durante la guerra, que no podría usar sus prótesis dentales ni los productos que para su cabello, porque son producidos por la misma empresa que había fabricado 60 años antes el gas industrial. Días después el arquitecto volvió a Berlín y terminó su obra.

   No hay sistema de gobierno perfecto, ni igualdad social, de condiciones o estados. Siempre habrá quien piense que puede vivir del pasado,  y también habrá quien piense que puede pedirle peras al olmo. Así como habrá una nena que le pida dinero a alguien quien tal vez tenga para darle pero no tenga forma de darle, así como gente con malas intenciones y buenos actos, como personas con buenas intenciones y malos actos.  Como también habrá quienes formen parte de un sistema productivo, y se enteren años después que formaron parte de un genocidio.

Fotos y texto: Norman Clinckspoor

Beatles, los Maradonas del Rock

    Cada día me sorprendo más con este conjunto de Liverpool que revolucionó el Rock allá por la década de los 60s y 70s, así como Maradona durante los 80s lo hizo con el futbol. Luego y gracias a ellos vendrían otros intérpretes que adoptarían sus técnicas, espíritus y estructuras, que el sentido de la estética de hoy podría decir que fueron superados, si pudiesen aisladamente verse por separado, pero nunca jamás podrían serlo si nos situamos en tiempo y espacio, partiendo de la base que fueron los pioneros y creadores de esta revolución expresiva.

   Lo que más me sorprende de estos visionarios es que no existía ningún tipo de límite tecnológico, techo que pudiese impedir las creaciones más impensadas en esa época, sin tecnología digital o sintetizadores, un desafío mixeado en el punto exacto con la creatividad.

   Ese afán de Lennon de reproducir simultáneamente las pistas en las cintas magnetofónicas, acelerando los tiempos o retrasando o reproduciendo las cintas de manera inversa, crear la idea de simultaneidad, grabar y reproducir guitarras al revés,  una voz arriba de la otra, una y otra vez creando la idea de millones de voces explotando en su garganta. Esto lo define como un soñador que no vivía más que con sus pies sobre la tierra, rara vez no en sus fantasías indo-británicas. Por eso merece el mayor de mis respetos y mi completa admiración.

     El parar la pelota y el levantar la cabeza de Paul sirve como fuelle conector de estas maravillosas locuras de John y el inevitable ego del líder como líder natural, como buen guitarrista...no podemos olvidar a George ni a Ringo, este mérito es de los cuatro, solo quería hacer hincapié en aventura de este compositor, que escribió y soñó una gran parte de los temas producidos por Los Beatles.

  Aprecio las diferentes atapas de descubrimiento de la banda, siendo de mi preferencia The Magical Mistery Tour y el mismo disco Revolver, me gusta verlos en evolución contraste con un mundo que no estaba preparado para recibir tanto en tan poco tiempo.

Norman Clinckspoor

Análisis
“ Tomorrow never knows”
Los Beatles álbum Revolver (1966)

     Paul McCartney recuerda que aunque la canción tenía un único acorde en Do, La estructura armónica de la canción deriva de la música tradicional de la India. La primera sesión de grabación de Revolver que tuvo lugar el 6 de abril de 1966 a las 8:00 de la mañana en el Estudio Tres de Abbey Road.

    Lennon dijo al productor George Martin que quería sonar como cien monjes tibetanos cantando, cuando Martin le explicó la dificultad de obtener un efecto de ese calibre con el equipo que poseía. El efecto de la canción se consiguió haciendo pasar la voz de Lennon a través de la cabina, parando el circuito electrónico de la misma y volviendo a regrabar la voz cuando esta era emitida por la cabina. Así se obtenía un efecto de vibrato, que hasta el momento solo se conseguía con el órgano Hammond.

    El técnico del estudio, creó el primer sistema ADT tomando la señal de la voz y retrasándola ligeramente para crear dos sonidos, mediante unos segundos de grabación en cinta magnetofónica. Al modificar la velocidad y la frecuencia del sonido, se podían crear otra serie de efectos que The Beatles utilizaron a lo largo de la grabación del resto del álbum.  Se nota en la canción que la voz de Lennon está doblada en los tres primeros versos de la canción, debido a ligeras diferencias a la hora de cantar, pero el efecto completo se puede escuchar a partir del solo de guitarra.

    La canción fue una de los primeros temas de rock psicodélico, incluyendo elementos originales como el backmasking, guitarras tocadas a la inversa, efectos vocales e instrumentos musicales orientales como el sitar o el tanbur, y la primera en incluir loops. McCartney proporcionó una bolsa de ¼ de pulgada de bucles de cinta de audio que había hecho en su casa después de escuchar Gesang der Jünglinge de Stockhausen. Al deshabilitar la cabeza magnética de una grabadora mientras el bucle de cinta está devanando en una grabación, la cinta se re-grababa constantemente, creando un efecto de saturación, una técnica que también es utilizada en la música concreta. La cinta también podía modificarse para que fuera más rápida o más lenta. McCartney alentó a los otros Beatles a utilizar los mismos efectos y crear sus propios bucles.
    Las numerosas cintas que McCartney proporcionó fueron reproducidas en cinco máquinas BTR3 de cinta, y controladas por los técnicos de EMI en el estudio dos en Abbey Road el 7 de abril.  Los cuatro Beatles controlaron la mesa de controles de cada máquina, mientras que Martin variaba el sonido estéreo. Las cintas fueron hechas (como la mayoría de las otras cintas) por superposición y aceleración.
Los bucles de cinta contenían lo siguiente:
•         El efecto de una "gaviota" o "indio americano" (que fue hecho por McCartney gritando/riendo).
•         Un acorde orquestal en si bemol mayor (extraído de una sinfonía de Sibelius) (0:19)
•         Un mellotron, tocado con el registro de "flauta" (0:22)
•         Otro mellotron reproducido en un tiempo de en 6/8, tocado con el registro de "3 violines" (0:38)
•         Una secuencia ascendente que suena a sitar (en realidad está tocada con una guitarra eléctrica, con el sonido invertido y drásticamente acelerado), grabado con una gran saturación y aceleración (0:56)
•         El solo de guitarra de "Taxman" se sobrepuso en la segunda mitad de la parte instrumental. El solo fue cortado, invertido y adaptado al tono.


    Después, The Beatles continuaron utilizando estos novedosos bucles de sonido, como en "Carnival of Light", una pieza compuesta por McCartney, pero no publicada, que sería grabada durante las sesiones del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, o del tema compuesto por Lennon "Revolution 9" incluido en el álbum The Beatles.

Fuente: www.wikipedia.com

Fotos: Documental “ The Beatles”